Dans les coulisses des créations, avec les illustratrices de la collection du centenaire, Aimee Tregunno et Catja Christensen

Les illustratrices internes Aimee Tregunno, apprentie en marketing numérique, et Catja Christensen, responsable marketing et communication, ont collaboré pour concevoir la collection de produits dérivés du centenaire de l'école, désormais disponible pour acheter en ligne et à l'école. La boutique de souvenirs du Royal Opera House proposera également ces produits dans un espace éphémère, à l'occasion de la représentation d'été de l'école, le samedi 18 juillet. 

Aimee et Catja se sont assises pour discuter de l'inspiration, du processus créatif et de la production de cette gamme de produits unique, qui place les étudiants au cœur de la conception. 

CC : Nous sommes allés au Royal Opera House ce matin et avons vu tous nos produits dérivés exposés. Quel effet cela vous fait-il de voir vos créations dans la boutique de souvenirs ? 

AT : C'était incroyable ! Qu'il soit placé au premier plan et si joliment mis en valeur devant Le costume de souris des Contes de Beatrix Potter Portés par les étudiants – c'était vraiment génial de voir tout ça exposé ensemble.  

CC : L’emplacement était incroyable ! Je pensais qu’il serait relégué au milieu du magasin, mais il était juste à côté de l’entrée de Covent Garden. Impossible de le rater. Un grand bravo à Matthew Hunt, responsable du commerce de détail au Royal Ballet and Opera, pour avoir orchestré une présentation aussi parfaite. 

AT : Tout s’harmonise à merveille. Les couleurs phares de la collection sont celles de l’uniforme scolaire, qui contrastent magnifiquement avec le crème des sacs fourre-tout et le noir des vêtements. 

CC : Oui, ils sont également liés à notre collaboration Freed Dancewear et l'installation artistique de Covent Garden « Un siècle de devenir » par Pauline LoctinPuisque nous en parlons, commençons par les sacs fourre-tout, car c'était le premier concept de design que vous avez proposé pour la gamme de produits dérivés. 

Le Grand Défilé collection: sac à main, torchon et aimant

Un des moments forts de nos spectacles d'été annuels est le Grand DéfiléLe salut final spectaculaire qui réunit tous les élèves à temps plein de l'école. Cette pose emblématique symbolise l'aboutissement de l'engagement et de l'épanouissement de nos élèves. À l'occasion de notre centenaire, affichez fièrement ce cliché mémorable sur un sac, un torchon ou un aimant. 

AT : Lorsque nous réfléchissions aux idées pour les différents produits, je crois que nous étions tous les deux d’accord pour dire que les designs devaient refléter l’esprit de l’école et ce qu’elle représente. Grand Défilé C'est un moment tellement emblématique qu'il rassemble toute l'école. 

J'ai conçu la chorégraphie numériquement avec le logiciel Procreate, en utilisant de nombreuses images de référence et en ajustant le nombre d'élèves pour une meilleure harmonie des lignes. Nous avons également expérimenté l'utilisation d'espaces négatifs en arrière-plan, notamment des rideaux de scène, mais finalement, nous avons décidé de privilégier les danseurs. 

CC : Ce processus semblait tellement fastidieux. Chaque jour, j’arrivais au bureau et tu étais encore en train de colorier les tutus ! 

AT : Je ne dirais pas que c’est un design minimaliste, mais je ne voulais pas que les danseurs soient trop détaillés, car il y en a déjà beaucoup, et je ne voulais pas surcharger l’ensemble. J’ai commencé par des croquis au trait, puis j’ai voulu que les couleurs évoquent l’aquarelle, car c’est une technique délicate qui s’harmoniserait avec votre tasse. C’était un travail considérable, mais je suis ravie du résultat. 

CC : Ce furent également les premiers produits à arriver et à être commercialisés lors de la foire d’été de White Lodge. Ils ont connu un succès retentissant.  

AT : C’était un bon avant-goût de l’accueil que recevrait le reste de la collection. Ce fut l’une de nos foires d’été les plus lucratives, et tous les bénéfices sont reversés à l’école.  

CC : C’était aussi très amusant de voir les élèves essayer de se reconnaître dans l’illustration. Comme vous l’avez dit, c’est un mélange de photos de référence de différentes années, mais certains élèves sont persuadés que l’un des petits danseurs, c’est eux. 

AT : J’aime beaucoup ! J’espère que chacun, qu’il s’agisse d’eux ou non, pourra se reconnaître d’une manière ou d’une autre dans l’œuvre. Je voulais qu’elle représente tous les élèves, d’hier et d’aujourd’hui.  

Mug « Au fil des années »

Célébrez la progression et la transformation de nos élèves avec notre mug « Au fil des années ». Illustré de 10 niveaux de formation, d'Affilié à Associé jusqu'aux élèves en formation à temps plein, ce mug à motif aquarelle enveloppant met en valeur l'élément fondamental de chaque cours de ballet : la barre. 

CC : L’inspiration de ce design provient en fait d’une tasse échantillon de notre fournisseur, Temple Island. C’était une tasse Jane Austen. Emma Une tasse ornée de personnages en costumes d'époque Régence, dont le bas du corps était enroulé autour. Nous n'avions jamais rien vu de pareil. Cela m'a fait penser aux uniformes scolaires, et le bord de la tasse m'a rappelé une barre. Puis nous nous sommes dit : et si, au lieu de personnages, on y mettait nos élèves ?  

C'était intimidant, car je n'avais jamais rien fait de tel auparavant, mais j'ai emporté mon matériel d'aquarelle de voyage dans le parc près de chez moi et j'ai réalisé des croquis d'après plusieurs photos. J'ai essayé de varier les poses, les longueurs de jupes et les nuances de collants. Le plus difficile était de faire en sorte que toutes les figures soient à peu près de la même taille tout en montrant la progression des plus jeunes élèves jusqu'aux élèves de l'année préprofessionnelle. Vous m'avez donné de très bonnes idées concernant la perspective et l'espace d'impression, notamment sur un objet courbe. 

AT : Créer une image 2D, puis déterminer son aspect une fois incurvée et si cela risque de la déformer, est une expérience très différente.  

CC : Je pense que cela s’accorde aussi bien avec le parade Ce design nous a séduits car il représente une autre image où tous les élèves sont réunis. C'est un point que nous avons beaucoup abordé lors de la conception initiale : comment représenter visuellement l'école ? Au départ, nous avions pensé à White Lodge, mais ce logo est déjà présent sur de nombreux produits dérivés. 

AT : Quand on pense à des images emblématiques, on a tendance à penser à l’architecture, mais il était intéressant de constater que nos projets finissaient tous par être centrés sur les étudiants, et je trouve cela vraiment exceptionnel. 

CC : Les étudiants sont le cœur et l’âme de notre collection, ce qui est également vrai pour l’école. 

Dessous de verre Tutu

Avec les couleurs de l'uniforme scolaire (justaucorps et tutu), telles qu'on les voit dans nos studios et sur scène lors du spectacle d'été annuel. Grand Défilé, Ces sous-verres en forme de tutus peints ajoutent charme et élégance à n'importe quelle table basse. Créez votre propre collection de tutus à la maison en les empilant, comme nous le faisons pour nos tutus d'entraînement à l'école. 

CC : Les autres produits sont nés de ces deux idées initiales : le parade et la tasse « Au fil des années ». Les sous-verres en forme de tutu sont arrivés très vite après. Je crois qu'on parlait de différentes formes de sous-verres, carrés ou ronds, et tu avais fait un très beau croquis de poids. On pensait y intégrer des éléments liés à la santé. Pendant un moment, on a juste griffonné différentes idées pour voir ce qui fonctionnerait. 

AT : Je crois que les arbres à tutus commençaient tout juste à apparaître à l'extérieur de la garde-robe à cette époque. 

CC : Oui, chaque jour, la pile de tutus s’élevait de plus en plus. Ensuite, tu as réalisé une magnifique illustration de l’arbre à tutus, et nous avons pensé aux sous-verres ronds et à l’idée de construire son propre arbre à tutus à la maison. J’ai utilisé l’aquarelle pour la tasse, mais je voulais utiliser de la peinture acrylique pour le motif du sous-verre afin de lui donner un aspect plus riche, plus épais. J’adore la texture de la peinture acrylique ; c’est tellement amusant ! J’en suis vraiment contente. Je les trouve adorables. 

AT : Ça rend très bien avec la tasse. 

Un croquis préliminaire d'Aimee, inspiré par l'arbre à tutus qui poussait devant le vestiaire du lycée. Les couleurs des uniformes à tutus ont inspiré la palette de couleurs de la collection. 

Le pont de l'aspiration aimant et porte-clés 

Rappelez-vous vos propres objectifs et aspirations grâce à cet aimant illustré représentant le Pont de l'Aspiration, inspiré par l'architecture primée reliant l'école et le Royal Opera House. 

CC : Enfin, pour revenir aux images emblématiques, l’une des illustrations marquantes de la collection est le Pont de l’Aspiration, fruit d’une autre expérimentation. J’ai examiné les croquis architecturaux initiaux du Pont réalisés par WilkinsonEyre, les concepteurs, et j’ai été séduite par le mouvement des lignes. Cela rappelle l’inspiration puisée par Pauline Loctin dans ses pliages de papier. J’apprécie la manière dont l’architecture, malgré sa structure rigide, crée un tel dynamisme. Le symbolisme du Pont fait également écho aux étudiants : traverser le Pont, intégrer une entreprise et s’ouvrir au monde. Nous avions déjà proposé quelques reproductions du Pont ainsi qu’un motif pour une tasse. 

AT : Mais ces photos provenaient de l’intérieur du pont. Nous n’en avons pas encore eu une de l’extérieur qui montre la conception torsadée unique du pont. 

CC : C’est vrai. Je travaillais en même temps sur une carte du ballet londonien pour l’événement à Covent Garden, donc je m’étais déjà amusée à peindre le pont. Mais c’était ma première expérience en art numérique. Un grand merci à Aimee, car elle m’a énormément aidée. Cela m’a ouvert tout un univers artistique. 

AT : L’art numérique est un médium fascinant car, au premier abord, il est complexe à maîtriser, mais il ouvre ensuite, comme vous l’avez dit, une multitude de possibilités. On peut le manipuler avec une grande variété de techniques, et j’apprécie particulièrement la possibilité de supprimer des éléments et d’expérimenter différents arrière-plans sans avoir à les peindre définitivement. On pourrait le considérer comme une excellente forme de collage pour explorer de nouvelles idées de design. 

CC : Oui, je suis tout à fait d’accord. On peut modifier les calques au fur et à mesure, ce qui est impossible avec la peinture ou d’autres supports physiques, et c’était vraiment très utile, même pour la tasse. On est passés au numérique pour les retouches, car je crois qu’on a dû faire sept ou huit séries de retours pour ajuster les moindres détails. L’équipe artistique a validé toutes les poses et s’est assurée qu’elles étaient techniquement correctes, puis on a voulu faire des changements de perspective. C’était vraiment agréable de retoucher en numérique, et maintenant j’ai acquis de nouvelles compétences. 

AT : C’est génial, car on peut faire les deux. On peut peindre une magnifique image à l’aquarelle ou à l’acrylique, puis ajouter des détails plus fins en numérique. C’est un excellent outil pour expérimenter. 

À propos des artistes 

AT : Ça va paraître cliché, mais je fais de l’art depuis toujours. J’ai commencé l’art numérique pendant le confinement. J’avais énormément de temps libre et c’était un nouveau médium à explorer. J’ai aussi fait des études d’art au GCSE, au A-Level, puis une licence en beaux-arts, ce qui m’a offert une perspective totalement nouvelle sur l’art. Dans un cursus de beaux-arts, il faut toujours avoir un « pourquoi », et je pense que ça a été utile pour ce projet, car il nous fallait que notre collection soit cohérente et que nous comprenions les raisons de nos choix, comme celui des uniformes et des couleurs. Je n’ai jamais fait d’œuvres de ce genre à l’université. Ce style plus illustratif est quelque chose que je n’avais pas beaucoup pratiqué auparavant, mais j’ai vraiment adoré. 

CC : Vers quels styles êtes-vous généralement attiré(e) ? 

AT : Avant l'université, je peignais principalement à l'acrylique et à l'huile. Je n'ai jamais été très douée pour l'aquarelle, mais je faisais beaucoup de portraits et de scènes réalistes. J'aimais aussi, chose assez inhabituelle, le dessin au stylo bille, avec des hachures et des lignes entrelacées. Je trouvais cela fascinant, d'espacer les lignes ou de les rapprocher pour créer de la profondeur. J'adorais ça. Une fois mes études commencées, je me suis passionnée pour la photographie, en explorant des procédés photographiques alternatifs comme le cyanotype. L'expérimentation et la manipulation photographiques sont un intérêt qui se prête, d'une certaine manière, au dessin numérique. 

CC : Oui, je crois que je préfère les peintures texturées aux dessins au trait précis. 

AT : Parlez-moi de votre histoire de l'art ! 

CC : Mon parcours est similaire au tien : je ne me souviens pas d’une époque où je ne faisais pas d’art. Ma mère conserve encore tous mes gribouillis et dessins d’enfance. Elle emportait toujours des feutres et un carnet partout où nous allions, car j’adorais dessiner, et mon père avait une énorme boîte de crayons de couleur. Mais contrairement à toi, je n’ai jamais vraiment étudié les arts visuels de manière formelle. J’ai suivi des cours pendant mes quatre années de lycée, mais c’était plutôt une activité extrascolaire. Ce cours était un cours rien que pour moi, et les autres servaient à me permettre d’entrer à l’université. J’ai étudié la littérature anglaise et la danse en licence, puis j’ai fait un master en chorégraphie et interprétation de la danse grâce à une bourse Fulbright. Je ne chorégraphiais pas activement, je faisais plutôt des recherches sur les philosophies de la performance. J’ai créé un style de notation artistique dans mon mémoire, moins une notation formelle qui documente la danse et plus une impression du mouvement. Mon travail actuel est davantage axé sur l’écriture, mais je peins toujours des cartes d’anniversaire ou des cadeaux. Je suis toujours en train de créer quelque chose.  

AT : Je trouve formidable que ce soit une telle passion pour toi. Tu fais tellement de choses pendant ton temps libre, et maintenant tu as l’opportunité de créer des œuvres pour une collection incroyable au sein de l’École, alliant ainsi nos deux intérêts créatifs. 

CC : Cette année a été vraiment surréaliste. Je crois que je souffre un peu du syndrome de l’imposteur, car je suis évidemment fière de mon travail, mais je n’ai jamais rien fait de tel auparavant, et vendre son travail est terrifiant ! Mais je suis tellement fière du travail que nous avons accompli, et c’était un vrai plaisir de collaborer avec toi. 

AT : Évidemment, nous créons beaucoup d’œuvres d’art en dehors de l’école, par pur plaisir, mais voir les gens les acheter ou tenir nos produits entre leurs mains est un sentiment incroyable. 

CC : C’est vraiment génial, car nous faisons partie de l’équipe Publics, nous sommes à l’école presque tous les jours et nous participons activement à tous les événements du centenaire que nous organisons. C’est un vrai plaisir de suivre chaque étape du processus et de travailler avec notre formidable équipe, qui nous a apporté un soutien indéfectible. 

AT : C’est ce qui la rend si spéciale. Nous connaissons notre équipe. Nous savons ce qui fait la spécificité de l’école. Ce point de vue privilégié nous a vraiment permis de créer une collection aussi réussie. 

Leçons apprises et points à retenir 

CC : Le plus difficile pour moi n’a pas été la création artistique en elle-même, car, comme nous l’avons dit, c’est tellement naturel pour nous, c’est quelque chose que nous faisons constamment. Le plus difficile, c’est de défendre ses convictions et d’avoir confiance en soi. L’art est quelque chose de tellement personnel. Je crois que c’est pour ça que c’est si angoissant de le partager avec le monde, parce qu’il fait partie de moi. Il fait partie de mon âme. J’y consacre tellement de temps et d’énergie et je suis très attachée à mon travail, alors le diffuser est vraiment stressant. 

AT : C'est une chose très risquée à faire. 

CC : Exactement. Mais je pense qu’une partie du processus d’être artiste consiste à défendre ses intérêts, à connaître sa valeur et à avoir le courage de s’exposer. 

AT : Je crois que mon principal enseignement est que la création artistique ne se limite pas à la simple réalisation d'une œuvre. Il s'agit aussi de comprendre son fonctionnement dans un contexte commercial. Apprendre à s'adapter est sans doute ce que j'ai retenu de plus important : expérimenter avec différentes formes et tailles et retravailler l'œuvre pour qu'elle corresponde aux produits. L'une de mes missions consistait à rechercher différents fournisseurs et à rassembler divers échantillons pour comparer la qualité. C'était passionnant de découvrir les coulisses de ce processus. J'ai le sentiment d'avoir acquis une expérience très complète dans la conception de ces produits. 

CC : Ce fut un réel plaisir de travailler avec vous. 

AT : Je pense que nous avons très bien travaillé ensemble, en collaborant et en partageant nos idées. Je n'aurais pas pu rêver d'un meilleur partenaire. Nous avons fait un travail formidable ensemble et créé une collection brillante. 

CC : On remet ça un de ces jours ! 

Catja Christensen Elle est responsable du marketing et de la communication à la Royal Ballet School, qu'elle a rejointe en 2025. Elle aime interviewer les élèves, le personnel et les artistes invités pour des articles et créer des newsletters attrayantes.